Los gemelos Starn (Mike y Doug) nos reciben en su estudio neoyorquino, situado en pleno Brooklin, en un antiguo garaje de camiones de helados. Las monumentales impresiones fotográficas llenan todas las paredes. En el centro, lo queda de una enorme instalación que acaban de traer del Museo Stedelijk de Amterdam, donde han cerrado una exposición de su trabajo. Este año pudimos contemplar parte de su obra en ARCO.
¿Siempre habéis trabajado juntos?
M: Desde que éramos niños, entendiendo que todo niño es un artista.
D: Siempre dibujábamos o garabateábamos en un mismo pliego de papel. Y así continuamos durante toda nuestra juventud. Dimos clases de fotografía en el colegio. De niños estábamos al tanto de los trabajos de Warhol y Rauschenberg, a través de la prensa. La fotografía rápidamente se convirtió en nuestro medio de expresión.
M: Sí, realmente supuso todo para nosotros. Éramos chicos solitarios, separados del resto, no encajábamos. Nos gustaba escuchar Captain & Tennille y cosas por el estilo…
D: Sólo teníamos una cámara y todavía es nuestro medio de trabajo. Estábamos muy interesados en capturar el mundo. Fuimos a la Escuela de arte del Museo de Bellas Artes de Boston, del 82 al 85.
M: al 86. El trabajo más interesante era el que hacíamos juntos
D: En aquellos días la fotografía no se consideraba un arte, sólo un oficio.
M: Y nada es tan poderoso como la fotografía.
D: No había ningún motivo para no considerarla como arte. Y aquí es donde continuamos siendo creativos a pesar de estar aún atrapados en la idea de la impresión perfecta, de la foto convencional. Fue muy difícil dar el giro para hacer lo que realmente queríamos. Trabajamos con un proceso de color del siglo XIX, con fotografía digital con capas de emulsión de plata, con cera y encáustica.
¿Vuestra obra es el resultado de una idéntica visión como gemelos?
D: No tenemos papeles diferentes. Lo que crea cada pieza es un intercambio de ideas. Desde el momento en el que decidimos qué queremos fotografiar hasta que encontramos finalmente el medio de impresión, pueden pasar años. Cada tema requiere su propia identidad.
M: Su propio método o medio.
En los últimos años vuestro trabajo gira en torno a la luz, como vida y pensamiento ¿Es la base de vuestra estética?
M: Como fotógrafos, la luz es nuestro trabajo. Es fascinante desde un punto de vista conceptual la idea de que la oscuridad no es simplemente ausencia de luz.
D: El negro es la absoluta absorción de la luz. Cuando la luz es absorbida por un objeto…
M: … y nada del mismo se refleja. En la fotografía eso se manifiesta en un negativo. Esto se ha convertido en nuestra obsesión, la idea de la oscuridad llena de luz.
D: La coincidencia de los contrarios. Explorando el verdadero significado de la luz empezamos a sentir que es lo que controla todo, tanto lo que amas como lo que odias.
M: Y cada uno crea su propia luz.
D: La luz como pensamiento.
Vuestra obra Estructura del pensamiento incluye imágenes amenazantes de ramas negras de árboles que se asemejan a la estructura de las neuronas del cerebro.
D: Para nosotros esta serie o Atraído por la luz, u otras, son el resultado de una exploración de los diferentes aspectos de…
M: …temas relacionados con la luz y, sabes, los árboles a través de la fotosíntesis crecen hacia la luz.
D: Ellos toman la luz y la convierten en…
M: …algo físico. El negro carbón del árbol, volvemos a la maravillosa obsesión del negro como absorción de luz. El árbol y su silueta se convierte en la imagen de…
D:...un cuerpo físico hecho de luz, absorbido de luz, la oscuridad llena de luz.
M: Concretamente, cuando hablamos de estructura de pensamiento, de nuevo utilizamos la metáfora de la luz como pensamiento e inteligencia; la silueta de estos árboles son pensamientos absorbidos y luz. Su estructura se convierte en una red interconectada.
D: Imita la de las neuronas en el cerebro.
Por otro lado, la luz fluye en las poéticas fotografías que habéis dedicado a los copos de nieve.
D: Los copos de nieve son efímeros y el aspecto de su luz, no de su sombra, es esencial a la hora de fotografiarlos. Nos ha llevado tres años desarrollar el proceso fotográfico para retratarlos, y uno de los grandes cambios fue el tema de la luz. Necesitas lentes de microscopio para disparar y capturar el detalle de los copos. Tienen unos 2 ó 3 mm. Al hacer la fotografía pueden derretirse, incluso con el nuestro aliento. Retratamos los copos con minúsculos tubos fluorescentes rodeados de hielo sintético.
M: A unos -123º de temperatura, para protegerlas del calor.
¿Y vuestros próximos proyectos?
M: Seguimos con los copos de nieve pero desde direcciones diferentes que incluyen una gran presentación en vídeo interactiva. Trabajamos también sobre la imaginería budista, usando capas de impresión en oro como en los procesos de color fotográfico del siglo XIX. Y también en nuestro primer proyecto permanente para Nueva York, en una gran estación de metro, cerca de la Zona Cero. Disponemos de 100 metros para nuestro trabajo, algunos se harán en cristal, otros son mosaicos y otros en acero cortado. Abrirá en otoño de 2008. Es el mayor proyecto artístico que se ha hecho en una estación de metro de la ciudad.
